The Arts in America 해석

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s'로 더 예리한 시험이었다; painter'의 내성을 통해 문명의; s는 시각을 소유한다. 이것은 Shahn, de Kooning, 및 명태에 의해 전세대 그리고 최신 것에서 Hartley, Marin, Maurer 및 Weber에 의해 달성되었다. 일어난 무엇이 회화에서 모든 감도의 합계 그리고 근원으로 유럽을 보았었던 지방 자의식의 편해지는이었다: 힘 및 불안 및 Freudian 시각이 대양의 맞은편에 서쪽으로 움직이골 것이 더 이상 유죄에 겉으로는 목표 없는 모양을 가진 화포를 바르기 위하여 느끼지 않으며 현란한 색깔의 튀길 때, 더 이상 얼빠진 남학생 같이 느낄 미국인이 미국 회화 찾아내지 않을 때. 화가는 돌파해, 장소와 시간 저쪽에 상징 적이고 그럼에도 불구하고 여하튼 America'의 표현이 풍부한 관용구를 즉시 발견한; Melville'로 s 에너지 그리고 그것의 부단한 탐구; s 관용구는 문학에 있었다. 회화가 Malraux'의 시대에서 재생되기 수 있었기 때문에; s " 벽 없는 박물관, " 그들은 그들의 새로운 가정 및 아파트를 비치하는 젊은 한 쌍에 의해 잡지와 책에서 어디에나 돌발하고 팔리거나 세놓아졌다. 새로운 중류 계급은 맛과 즐거움의 새로운 수준을 발견하는 것을 시작했다. 재생산의 대부분이 대화가의 인 동안, 그들의 자신의 화가의 공적의 Americans 에의한 증가 의식이 있고, 현대 미국 회화는 다수의 청중을 보호한 큰 백화점에서 조차 전시되는 것을 시작되었다. 미국 회화는 경제 기초의 무언가를 달성했다. 그의 제국주의가 회화를 침식하고 조각품이 사진술인 새로운 예술, amateurs'의 강박관념으로 둘 다; 그리고 영화 및 텔레비젼의 그것의 크 매체 모양에서. 열린 셔터에 들어가는 것을 빛이 허용해서 예술적 표현 방식으로 과민한 격판덮개에 새겨, 사진기가 빠르고, 충실하고, 유동성, 이동할 수 있고, 무한하게 reproduceable 및 전달하는 바운스되고, 시간과 공간을, 기술적인 문명의 주요한 시각 예술이 되기 위하여 즉시 정복한. 국가 및 세계가 사진기를 가진 미국인에 의하여 배회했다. 무수한 사진 클럽, 사진 잡지 및 연감, 사진 경연 및 상품이 있었다. 예술에는 Stieglitz에 있는 그것의 개척자, Brady 같이, 및 그것의 훌륭한 예언자가 있었다; 그 후에, 미국인은 사진 다른 문화가 회화와 조각품에 아낌 없이 주었었던 주의깊은 헌신적인 예술적기교를에 아낌 없이 주었다. 생활과 보기 같이 그림 잡지의 중요성은 전세계에에서 겸전한 사진사가 명성과 큰 상품의 경기장으로 뉴욕에 당겨졌다는 것을 의미했다. 그들의 손에서는 사진술은 성격의 물자가 상징을 건의하기 위하여 개념실재론 저쪽에 간 디자인과 모양에서 붙잡힌 회화의 모양이 되었다. 대량 예술적 표현 방식으로, 그것은 아직도 문화 - "의 주요 선취를 표현한다; 인간적인 관심사, " 극적인 활동, 동력론, 표면 및 운동. 많은 검시는 "의 예에 열렸다; 사라진 theater" 미국에서. 그(것)들을 밑에 있는 전제는 그것, 계속 Periclean 및 엘리자베스 1세 시대 기간과 비교해이다, 또는 Ibsen, Chekhov, Strindberg 및 Shaw의 시대, 유럽 극장에서, 미국 경험은 극장을 위해 창조를 증명하지 않았다. 전통적인 기소는 충분히 친밀하다: 미국 극장에는 단 하나 도시의 지역에서 소폭이 기초, 너무 있다, Broadway에 중심에 둔; 그것의 경제는 짐이 된다, 큰 자본 투자, 비싼 계약, 및 "를 얻기의 필요성을 노동 조합으로 포함한; hit" 살아나기 위하여; 비평가의 작은 그룹은 놀이의 운명에 지배하고 생소한 것에 적대해 경향이 있다: 미국에 있는 극장은 중류 계급 예술이다. 교양 있는 사람을 위해 쓰고 생성하고 어느 정도 교양이 있는 가치로 투자해; 실험을 피하고 믿을 만하는 공식 및 대중적인 별에 안전한 그것을 하기 위하여 유혹은 강하다. 마지막으로 극장은 말로 소설에 그것의 물자를 위해 달려있다 일축되고 영화의 상대방에 속국이다. 거기 다량 진실이 이 판단의 하나 또는 전체에 있을지도 모른다 그러나, 그들은 사정의 심혼에 도달하지 않는다. 나가, 미국 극장 상기 추적한 논리의 종류에 의하여 사라진 예술 - 그러나 그것은 isn' 이어야 한다; T. 그것에는 Eugene O'를 가진 1920 년대에 있는 creativeness의 현저한 급증이 있었다; Odets, Saroyan, Lillian ellman, 및 테네시 윌리엄과 아서 밀러와 가진 1940 년대 그리고 1950 년대에서 Sidney Kingsiey와 가진 1930 년대에서 Neill. 이들에 뮤지컬 코메디 및 극적인 오페라에 있는 음악 그리고 가사 팀의 현저하게 창조적인 일을 추가하십시오. 오늘까지 Provincetown 극장의 일에서 40 년의 맞은편에 기지개하는 이 종류의 기록은, 소설에서 가지고 있던 대로, 단순한 에피소드가 아니라 미국 에너지가 존재하는 세기에 있는 극장에 있는 독특한 표정을 찾아낸 표시이다. 극장 예술의 객관적인 사학자는 Ibsen부터 Strindberg가 Shaw, creativeness의 초점 대양의 맞은편에 이동해 다고 다고, 유럽에서 수입에게 한 번 전체적으로 달려 있던 Broadway - 파리 지금 런던에 그것의 자신을 보전될 다는 것을 말해야 할 것이고, 선망의 몇몇 쑤시는 듯한 아픔을 창조하거든 조차. 극장이 텔레비젼과 영화와 밀접하게 연결된다 는 사실은 그 자체로는 약점의 성분이 아니다. 그(것)들에게 철학과 예술을 가르치기 위하여 로마 정복자가 그리스 지식인을 고용한 대로 Hollywood와 매디슨 도로가 그것 놀이를 사고 그(것)들을 매우 고용해 성공하는 극작가에게 대성공을 제안해서 Broadway를 개발한다 진실하다. 그러나 Hollywood 돈의 거드름 피우기 그리고 경솔함에도 불구하고, 주요 시내인 및 속국 사람은 심문할지도 모른다. 영화 도 아니다 텔레비젼 제안 아니 - 비슷하게 playwrigt, 배우 및 경청자를 위한 경험의 전체 놀이에 있는 전체가 있다. 몇몇 예술이 함께 연결될 때, 극장, 영화 및 텔레비젼의 것처럼,

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