[연극 영화] 배우

소개글

[연극 영화] 배우에 대한 보고서 자료입니다.

목차

1. 배우의 존재

2. 연기의 기본 법칙

3. 배우의 훈련
1) 육체, 음성 및 내적 충동
2) 조절과 훈련
3) 기교, 또는 무대속기법

4. 역 창조
1) 역 분석
2) 심리적 정서적 준비
3) 동작, 제스쳐 및 비지네스
4) 음성적 성격창조
5) 대사 암기와 읽기
6) 유지와 구축
7) 앙상블 연기

본문내용

중에서 적합하고 분명한 그러나 비상식적인 것을 골라낼 때 비로소 이룩된다.
4) 음성적 성격창조
배우가 역분석할 때는 그 역에 적합한 음성적 특징 역시 고려해야 한다. 대체로 배우들이 그들의 지배적인 음성적 성질들을 연습 기간이라는 짧은 시일 내에 이렇다할 만큼 변경시킬 수 없기 때문에 대부분의 연출자들은 그들이 찾는 성질들을 이미 지니고 있는 배우들을 선정한다. 그러나 훈련이 잘된 음성을 갖고 있는 배우는 자신의 음성 패턴을 뚜렷하게 변화시킬 수 있다. 그렇지만 그는 음성을 과다하게 강조하지 않도록 조심해야 한다. 음성의 변화는 동작과 심리적 충동과 연결될 때 가장 성곡할 수 있다. 이들은 서로 강화시켜주기 때문이다. 음성적 특색은 적합한 신체적·정서적 특색이 수반되지 않을 때 신빙성을 갖지 못하게 된다.
5) 대사 암기와 읽기
모든 배우들이 당면하는 기술적인 문제들 중의 하나가 대사암기이다. 이 문제를 해결함에 있어서 대사와 행동을 동시에 암기하는 것이 대개는 도움이 된다. 대사는 동작을 되살려주고 동작은 대사를 일깨워주기 때문이다. 뿐만 아니라, 블로킹이라는 것이 특수한 대사와 관련지어서 행해지기 때문에 줄의 연합이 궁극적으로 배우의 기억 속에 융합된다.
대사암기를 할 때 몇가지 법칙이 있다.
첫째, 전부를 한번에 외우기란 불가능하므로 작품을 여러 부분으로 나눠서 한번에 한 부분씩 떼는 것이 필요하다.
둘째, 연결이 안되어 있는 대사를 외우기란 여간 어렵지 않으므로 배우는 사상과 동기의 연속, 즉 각 장면의 의미를 익히는 것으로 시작해야 한다. 이러한 연속관계를 떠올릴 수 있게 된 뒤에 그는 개별적인 대사의 암기작업에 들어갈 수 있다. 이러한 내용적 접근은 공연중의 배우에게도 도움이 된다. 대사의 특수한 표현을 까먹었을 때 그는 즉흥적으로 둘러댈 수 있기 때문이다. 더 나아가서 다른 배우들이 대사를 까먹었을 때 그들을 도와줄 수 있게 된다.
셋째, 배우는 그의 장면에 나오는 다른 모든 배우들의 대사들도 잘 익혀두어야 하며, 큐(자기가 할 대사를 선행하는 다른 배우들의 말 또는 행동)를 대사만큼 철저하게 외워둬야 한다.
언제 대사를 암기하는 것이 가장 좋으냐에 대해서는 다소 의견의 차이가 있다. 배우가 대사를 일찍 외우면 외울수록 다듬는 작업과 세부작업에 더 일찍 들어갈 수 있을 것이다. 반면에, 만일 배우가 자기의 등장인물의 동기나 또는 자기의 전반적인 역해석에 대해 확신함이 없이 대사를 암기한다면, 그는 믿음이 가는 성격창조를 해내지 못할 것이다. 언제 외우는에 관계없이 배우는 대사를 완벽하게 암기해야 한다. 대사가 불안한 것이 역력할 때 공연의 효과는 가장 발리 파괴된다.
행동의 연속성과 대화 외에 배우는 강세, 억양 및 장단에도 관심을 쏟아야 한다. 한 대사가 갖는 함축들을 완전히 이해해야 그것을 적절하게 전달할 수 있는 것이다. 훌륭한 배우는 대개 개별적인 단어들보다는 전반적인 생각과 감정에 집중한다. 그는 한 가지 생각이 어디서 끝나고 시작하는지를 알고 있으며, 또한 각 생각이 명료할 수 있도록 치밀하게 전이시킨다. 발전과 전이를 나타내기 위해서 배우는 하나의 단위 또는 생각을 다른 것으로부터 구별지을 수 있도록 고저, 크기 및 장단에 변화를 준다. 이것은 단조로움과 사상 또는 감정의 혼동이 발생하기 쉬운 긴 대사의 경우에 특별히 중요하다.
6) 유지와 구축
배우는 r의 힘을 유지하고, 그의 역을 클라이막스를 향해 구축하는 법을 배워야 한다. 실제적으로 모든 희곡은 그 강도, 써스펜스 또는 에너지를 쌓아감에 따라 점진적으로 흥미진진해진다. 이와 마찬가지로 배우의 연기도 성장·발전해야 한다. 때대로 개별적인 장면에서의 연기는 훌륭한데 전체적으로 그 강도와 복잡성을 발전시키지 못하므로써 배우가 실패하는 경우가 있다.
역을 유지·구축할 필요성이 가장 분명하게 보이는 것은 대단히 감정적인 역에서나 고도의 정력을 요하는 역들에서다. 만일 배우가 너무 높은 음으로 시작한다면, 그는 곧 더 이상 강도를 높일 수 없음을 깨닫게 된다. 그때는 나머지 연기가 한 수준에 머물게 되어 단조로와지게 된다. 그러므로 자기의 힘을 판단하여 연기가 작품 전체에 걸쳐서 구축될 수 있도록 연기를 계획하는 법을 익혀야 한다.
7) 앙상블 연기
모노드라마를 제외하고, 어떠한 역도 홀로 완전할 수 없다. 한 역은 보다 큰 전체의 한 요소에 지나지 않는다. 한 역은 보다 큰 전체의 한 요소에 지나지 않는다. 따라서 역의 효율성은 그것이 다른 연기자들과 얼마나 잘 융합되어 있느냐에 따라서 어느 정도 판단되어야 한다. 그러므로 배우는 무대 위의 모든 등장인물과 믿음이 가도록 스스로를 연관시킬줄 알아야 한다. 전체 캐스트의 협동적인 노력으로부터 결과하는 전체성의 느낌을 흔히 앙상블 연기라고 부른다.
앙상블 연기는 여러 요소들의 결과로서 나타난다.
첫째, 그것은 각 배우가 자신을 작품의 요구에 기꺼이 종속시킬 때 나온다. 각자는 자기가 중요하지 않을 때 배경 속으로 사라져 들어 갈 수 있어야 하며, 장면을 훔치는 일을 삼가야 하고, 자신을 위해 갈채를 획득하는 것보다 작품 전체의 선(善)을 더 높이 두어야 한다.
둘째, 앙상블 연기는 각 배우가 동료 배우들의 작업 방법, 강점과 약점을 알고 있어야 어느 정도 가능하다. 그는 다른 배우들에게서 무엇을 기대할 수 있는지, 그들의 단점을 보완시킬 곳이 어딘지, 그리고 그들이 자기를 어떻게 도울 수 있는지를 알아야 한다. 이러한 협력적 연기는 오랜 기간 동안 함께 작업해온 단원들로 구성된 극단의 두드러진 특징 중의 하나이다. 그러한 인식은 한 작품을 위해 함께 작업하는 캐스트에 한정되긴 하지만 최대한 까지 발전시켜야 한다.
셋째, 앙상블연기의 가장 중요한 요소는 집중력이다. 적절한 시간에 민감하게 반응하면서 실제로 듣고, 보고, 반응하는 듯이 보이는 배우에게 최대의 신뢰가 간다. 연기자들이 같은 역을 얼마나 여러번 연기했느냐에 상관없이, 그들은 매1회성의 환영을 창조한다. 최상의 연기는 모든 등장인물들이 무대 사건에 완전하게 몰입되어 마치 사건이 자연발생적으로 펼쳐지는 것 같을 때 이뤄진다.
<참고문헌>
연극 공연과 배우, 심정일, 시상사, 2002년

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