<세계영화사>1960년대 이후 헐리우드의 쇠퇴와 희생 에 관하여

목차

< 헐리우드의 쇠퇴와 회생: 1960년대 이후>

* 영화산업 : 쇠퇴와 회복
비디오로의 확장
크고 작은 독립영화사들

* 헐리우드 예술영화를 향하여 : 1968년부터 1970년대 중반까지

* ‘새로운 헐리우드’ : 1970년대 초반부터 현재에 이르기까지
계속되는 헐리우드
헐리우드의 개인적 영화들

◆참고문헌과 질의사항들
슈퍼스타급의 미국 감독들

본문내용

물과 십대 탐험물로 인식되었던 이 장르를 헐리우드에서 이윤가능성이 있는 것으로 부각시킨 이들은 루카스와 스필버그였다. 최신식 특수효과를 갖추고 우주모험을 보여주는 <스타워즈>(1977)는 영화관객의 새로운 세대를 유혹했고 그 전례 없는 성공은 영화 시리즈뿐만 아니라 텔레비전 프로그램 ‘스타트랙 Star Trek'을 만들도록 방아쇠를 당겼다.
루카스와 시필버그에게 헐리우드 전통을 이어나가는 것은 노스텔지아의 표출이었다. 제작자로서의 루카스와 스필버그는 모험영화<(윌로우 )Willou>[1988]), 공상영화 (<그렘린>[1984]), 희극 만화영화 (<누가 로저래빗을 모함했나? Who Framed Roger Rabbit?>[1988, 원색사진 25.15])와 같은 가족영화를 부활시켰다.
다른 영화제작인들은 더 복잡한 방식으로 스튜디오 전통을 지속시키면서 스스로를 드러내었다. 작가이론의 강력한 영향속에서 이들 감독은 영화비평가들이 발전시킨 작가성의 개념을 신이 만든 영화의 바탕으로 삼았다. 루카스와 스필버그와는 달리 이런 감독들은 종종 대가들로부터 빌려왔음이 분명한 양식을 연마하였다.
헐리우드의 개인적 영화들
미국적 예술영화의 제작에 관심을 갖고 있던 몇몇 주류 감독들은 좀 더 개인적인 영화들을 만들었다. 종종 고전적 서사영화들과 유럽 예술영화의 전략을 섞어내곤 했던 이러한 영화들에서 장르 관습들은 존중되었지만 또한 재작업 되었다.
이러한 경향이 두드러진 예로 로버트 알트만의 영화들을 들 수 있다. <매쉬>로부터 반(反)뮤지컬 영화인 <뽀빠이 Popeye>(1980)에 이르기까지 그의 영화들은 장르 자체를 희화화한다. 이 영화들은 권위에 대한 불신, 미국적 경건함에 대한 비판 그리고 다소 혼란스럽긴 하지만 활기찬 이상주의를 드러내고 있다. 알트먼은 자신만의 독특한 양식을 발전시켜 1970년대에 헐리우드에서 개인적인 영화를 만들었다.
알트만과 동시대 감독인 우디 앨런 또한 그러한 작업을 해냈다. <애니홀 Annie Hall>(1977)부터 앨런은 도시 전문직 사람들의 심리적 문제에 대한 관심 그리고 미국영화의 전통과 펠리니나 베리만과 같은 유럽 감독들에 대한 애정을 섞어나가는 일련의 영화들에 착수했다.
앨런의 대부분의 중요한 영화들에서 그의 희극적 페르소나-신경과민의 불안한 유태인 지식인- 는 심리적인 갈등 가운데 던져져 있다. 때로는 플롯 자체가 앨런 자신이 연기하고 있는 주인공의 복잡한 애정생활에 중심이 놓여진다.
독특한 제작방식을 통해서 앨런은 각색, 배역, 편집 등에 대한 통제권을 지닐 수 있었다. 심지어 그는 자기 영화를 재촬영할 수 있는 권한까지 가지고 있었다.
마틴 스콜세지는 그 개인적 관심이 헐리우드와 예술영화의 특징 속에 녹아들어간 또 다른 감독이다. 그의 영화는 로버트 드 니로와 같은 배우의 연기를 강조하기 위해 구축된, 긴장되고 공격적인 대화장면과 현란한 카메라 움직임으로 표현되는 물리적 연기를 교차해서 보여주고 있다. 움직임을 포착하는 시퀀스들은 종종 추상적이면서 무성이고 최면적인 이미지들로 구축된다. 다른 영화 악동 출신 감독들이 고도의 기술을 이용한 특수효과를 통해 스펙터클을 만들어냈다면 스콜세지는 역동적이고 흐르는 듯한 양식으로 관객의 관심을 끌었다.
앨런의 영화와 마찬가지로 스콜세지의 영화들도 그 아래에는 강한 자전적 요소를 깔고 있다. <비열한 거리 Mean Street>(1973)나 <좋은 친구들>은 그의 이탈리아계 미국인으로서의 유년기에 기반하고 있다. 그의 영화들은 뭔가에 내몰린 또는 강박적인 주인공에 초점을 맞추곤 한다. 그리고 그의 영화기법은 관객을 주인공의 심리상태로 몰아넣는다.
앨런과 스콜세지가 주인공들의 심리적 드라마로부터 개인적 영화들을 만들었다면 다른 감독들은 ‘문제 영화 problem pictures'들을 통해서 사회비판적 시선을 견지했다. <플래툰>(1986)<7월 4일생 Born on the Fourth of July>(1989) (1991) 등 일련의 정치적인 문제를 치열하게 제기하는 영화들 속에서 올리버 스톤은 케네디 대통령 암살 이후에 1960년대의 자유주의적 이상이 길을 잃었다는 자신의 생각을 표현했다. 존 세일즈의 좀 더 성찰적이고 서정적인 영화들은 <메이트원 Matewan>(1987)에서는 미국의 역사속에서 일어났고 <서커코스 7인의 귀환 The Return of the Secaucus Seven>(1980)과 <꿈꾸는 도시 City of Hope>(1991)에서는 현재 벌어지고 있는 계급투쟁에 대한 비판적 전망을 보여주었다. 리치 보르덴은 미래주의적이고 페미니즘적인 영화 <불꽃 속에 태어나서>(1986)로부터 시작하여 <일하는 여성 Working Girl>(1987)에서는 매매춘 문제, <러브 크라임 Love Crimes>(1992)에서는 강간 문제 등으로 주제를 넓혔다.
1990년대가 시작되면서 다양화된 연출 경향은 현대적인 삶 속에서 미국영화가 갖는 두드러진 특징과 나란히 가고 있다. 영화가 케이블이나 비디오카세트의 공격 하에서 약해지고 있다는 예측이 존재함에도 불구하고 극장용 영화는 여전히 매체 복합체의 중요한 요소이다.
1990년대 초반에 4천편의 극장용 영화가 세계적으로 만들어졌고 미국 메이저와 독립영화 회사가 만든 것이 그 가운데 3,4백 편밖에 되지 않지만 이 영화들이 전세계 박스오피스 수입의 70%를 차지했다. 미국영화는 전세계에서 경제적, 문화적으로 가장 강력한 영화산업으로 남게 되었다.
◆참고문헌과 질의사항들
슈퍼스타급의 미국 감독들
영화비평과 영화역사에 있어서 작가이론은 감독 개인을 영화의 형식적, 양식적, 주제적 특질의 우선적이고 지배적인 원천으로 보게 하였다. 이 이론은 전후 유럽과 아시아의 뛰어나 감독들에 의해 강화되는 가운데 [카이에 귀 시네마]에 의해 헐리우드 감독들에게도 적용되었다.
1970년대와 1980년대에 미국의 저명한 감독들로 부상하게 되는 많은 감독들은 작가이론을 영화학교와 대중언론을 통해서 접하게 되었다. 젊은 감독들은 유럽 예술영화나 히치콕, 포드, 혹스와 같은 고전적 헐리우드 영화를 전범으로 삼아 자의식적으로 개인적인 영화를 추구하였다.

키워드

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