연극과 영화의 이해

소개글

연극과 영화의 이해에 대한 보고서 자료입니다.

목차

1.연극의 기원과 역사

2.연극의 기능

3.연극의 제작과정

4.영화의 역사

5.영화의 제작과정

6.연극/영화의 차이점

7.참고 자료

본문내용

보는 구경꾼으로 전락시키고 있음을 비판한다.
-이들은 헐리우드식 제작배급파이낸싱검열에 거부하여, 독립 영화인들 자신의 공동배급사를 만들고 기금을 조성. 하지만 이들의 협동체제의 제작방식은 70년대 경제침체와 보수주의, 세계 영화산업의 거대화로 인해 쇠퇴몰락. 하지만 이들은 다른 문화 장르들과 함께 Subculture를 출현시키며 이후 영화운동사에 중요한 족적을 남김. 소위 언더그라운드 영화라는 개념으로(우리나라엔 하길종 감독이 소개).
-아서 펜 <우리에게 내일은 없다>, 마이크 니콜스 <졸업> 큐브릭 <2001 스페이스 오딧세이>, 데니스 호퍼 <이지 라이더>
-뉴 헐리우드의 등장은 스튜디오 제작자들로 하여금 방향전환을 하도록 했고, 새로 헐리우드에 입성한 이들은 ‘작가주의정신과 이론’으로 무장을 했기 때문에 주류 헐리우드 영화발전에 큰 기여(순응을 했건 말건!!-작가주의의 상업화, 쿠엔틴 타란티노는 ‘작가주의’를 주요한 마케팅 도구로 삼는 대표적 작가이다)
<헐리우드 시스템의 형성>
A. 미국에서 영화는 처음부터 상품이자 오락으로서의 성격을 지녔다. 자본주의 생산체계 안에서 대중예술로서 출발한 미국영화는 불특정 다수(mass)의 취향을 반영할 수밖에 없었다. 이런 맥락에서 “헐리우드 영화는 오로지 상업주의에 물들어 있을 뿐” “역사상 가장 민주적인 예술”이라는 상반된 평가가 나왔다. 유럽 영화의 경우 고급 엘리트 예술로서 그리고 소련에서 정치적 엘리트 예술로서 평가받은 것과는 상반된 경향을 드러냈던 것이다(영화매체의 발견과 지식인들의 평가, 특히 Benjamin과 Brecht에 주목)
미국 영화의 많은 수작들 그리고 범작(凡作)들은 이처럼 일반대중의 중시 및 자유경쟁의 시장원리라는 상업주의적 틀 안에서 제작되었다. 다시 말해 미국의 영화산업은 경제적 위험부담을 최소화하고 그 결과를 예측 가능한 것으로 하기 위해 관객취향에 늘 민감한 반응을 보였다. 이렇게 흥행에서 안정된 수입을 확보하기 위해 헐리우드 고전기(10년대 후반-60년대) 동안 의지했던 중요한 세 개념이 스튜디오 시스템(영화의 대량생산 및 공급), 스타 시스템(흥행의 보증수표), 장르 시스템(관객의 기대지평을 형성하고 만족시켜주기 위한 장치)였다. 물론 간헐적으로 예외가 있긴 했지만(채플린, 오손 웰스), 예술적세계관적 모험은 회피의 대상이었다.
B. 스튜디오 시스템: 표준화 및 분업화에 의한 대량생산
스튜디오 시스템은 한 영화사가 촬영장을 여러 개 동시에 운영하면서 영화의 대량생산을 가능하게 했던 일종의 영화공장이었다(‘꿈공장’). 이 공장은 영화산업의 주요 영역(제작, 배급, 상영)을 한 회사가 통제한다는 특징을 지니고 있었다(vertical integration, 수직적 통합 체계, “선셋 대로”, “사랑은 비를 타고”). 5대 메이저 스튜디오(폭스, 파라마운트, 워너 브라더스, MGM, RKO)
스튜디오들은 핸리 포드가 자동차 산업에 이용한 일괄공정 라인을 영화제작 작업에 도입하고자 했다(포드 시스템). 그래서 분업화(집단생산)표준화(장르의 형성)가 중요한 생산원리로 자리잡았다. 이 시스템에서는 제작자가 중심에 있었는데, 그는 스튜디오라는 소국가의 ‘군주’였다. 이 시스템은 48년 ‘반독점법’ ‘인디 영화사’ ‘TV'의 대두, 관객 취향의 다양화 및 향상(가령 유럽 영화 선호)에 의해 점차 사라져갔지만, 그럼에도 그 흔적은 강하게 남아있다. 스튜디오 시스템의 해체 이후, 각 영화사들은 엄청난 기술의 발전을 통해 경쟁에서 살아남으려 했다.
C. 스타 시스템과 장르 시스템
일찍이 영화의 이윤창출 가능성에 주목한 미국 영화업자들은 스타 시스템의 가능성에 주목했다. 그야말로 미국 영화산업의 중추로서 스타는 대중들의 욕망을 구현하면서 패션이나 삶의 스타일, 가치관이나 행동양식에 지대한 영향을 미쳤다. 그래서 영화 사회학은 스타들을 통해 당시 대중들의 욕망을 읽어내거니와, 가령 최초 스타였던 Marry Pickford는 순결함에 대한 대중의 욕망을, 50년대 Marlon Brando에게서는 대중의 억압된 욕망 즉 무의식의 표출을 보았다. 직업배우와 스타의 구분은 전문적 기술보다 대중의 인기에 의해 결정되거니와, 인기 때문에 스타는 스튜디오에 수익을 보장해주는 가장 확실한 자산이었다. 스튜디오는 스타의 자산가치를 확고히 하기 위해 종종 배우에게 고정된 이미지를 가지게 하는 경우(상표를 달듯이)가 많았다.
영화의 장르는 다른 예술(문학)의 그것과 달리 단순한 이야기의 소재나 시대배경, 외형적 특성에 국한되지 않고, 이야기 구조나 형식적 특성을 규정하는 능동적 시스템으로 발전했다. 이는 기본적으로 관객의 기대와 가설에 대한 반응의 과정이었다. 장르의 형성은 스튜디오 시스템과 분리할 수 없는데, 왜냐하면 이윤창출을 위해서는 분업화표준화의 원칙을 따를 수밖에 없거니와 ‘작가’로서의 감독 개인의 창조성은 사장될 수밖에 없었기 때문이다. 고전기 헐리우드 영화의 대표적 장르는 슬랩스틱 코메디, 서부극, 멜로 드라마(무성영화시대), 이후에는 갱스터, 뮤지컬(Talkie의 발명, 유성영화시대). 소위 영화의 ‘장르 문법’이란게 생겨나기도 한다. 가령 관객의 안정된 반응을 위해 인과성 및 이야기의 연속성 유지, 목표지향적 인물들의 성공담(‘해피 앤딩’의 성공신화는 요즘 대부분 헐리우드 영화의 결말구조이기도 하다. 아 ‘꿈공장’ 헐리우드!!). 한마디로 장르는 약호와 관습의 조합인 셈이었고, 관객들의 사회 문화적 관심을 잴 수 있는 가늠자였다. 하지만 이러한 장르는 고정된 것이 아니라, 그 기본 척추는 그대로 놔두되 지속적으로 변형확장된다.
7. 참고 자료
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아르놀트 하우저,백낙청·염무웅 옮김, 『문학과 예술의 사회사 4』, 문학과비평사, 1988.
이현송, 미국 문화의 기초, 서울 : 한울, 2006
제라르 베통·한길크세주, 영화의 역사
에렌버그, 꿈의 공장 : 할리우드 영화산업 선구자들의 시련과 야망, 2000

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