20세기 디자인과 문화(모던 디자인)

목차

Ⅰ. 서론 (모던 디자인의 배경)

ll-1. 초기 디자인, 1900~17

ll-2. 모던 디자인 (1918~45)

ll-3. 모던 디자인 2 (1945 - 현재)

Ⅲ 결론 : 20세기 디자인과 문화

본문내용

및 각 미술협회의 활동에 의한 것이다.1937년 그로피우스가 하버드 대학교수로 부임한 이래 하버드 대학은 바우하우스 전통의 중심지의 하나가 되었다.특히 1945년 이후부터는 바우하우스의 영향이 괄목할 정도로 확산되었는 바,일례로<바우하우스 총서>가 영어판으로 출판된 사실은 미국에서의 바우하우스에대한 평가 수준이 높게 확립되었음을 말해주는 것이다.
한편 1933년 이전의 독일 각지의 미술대학과 공예학교에는 바우하우스의 교과 과정이 채택되었고 1945년 이후부터는 바우하우스의 예비과정 방식이 가 연방국의 대부분 미술학교에 도입되었다.그리고 1960년에는 독일의 다름쉬트 시에 <바우하우스 자료관>이 설립되어 바우하우스에 대한 역사적,비평적 연구 및 그 이념의 보급을 전시회,출판물,강좌 등을 통해 실현하고 있다.
마지막으로 정리하면 바우하우스는 현재의 절실한 문제를 해결하는 것을 목적으로 대량생산과 기술에 의한 무정부상태로 부터 가정을 보호하고 인간본래의 자세를 회복시킴으로서 인류가 기술에 의해 노예화 되는 것을 방지하는데 있다. 이것은 공업생산을 위해서 디자인된 제품과 건물을 의미한다.
우리들의 목적은 기계가 가지고 있는 그 어떠한 이점도 희생하지 않은체 기계의 결점을 제거 하자는데 있다. 우리는 일시적으로 신기한 것을 창조 하는 것이 아니고 우수한 표준(규격화)을 창조하는 것을 목적으로 했다.
우리의 주된 원리란 정신적인 것 또는 물질적인 것 만이 아닌 문명사회에 있어서 모든사람에게 필요한 생활요소의 통합적인 보석이라는 것이며 창조적인 예술가들은 일상세계로 재결합 시키고 동시에 거의 독립적이고 물질적인 기업인에게 폭넓은 인간미를 부여하는 것이다.
전후 영국의 디자인 교육 - 제 2차 세계대전 직후 영국의 디자인 교육은 100년전의 상황으로부터 변화한 것이 없었다. 영국에서는 아직도 공예 훈련이라는 개념에 매달려 개인에 역점을 두고 있는 독일에서 개발된 몇 가지 이념들은 영국에 아무런 영향을 미치지 못했다.
⑪ 디자인과 가업 : 기업계는 디자이너를 미용사 취급해 왔다. 우리는 어느 회사에서 개발한 펜을 제시받으면 '그것은 검은 색으로 만들고 붉은 선을 두르시오'라고 말하는 정보의 기여밖에는 사지 못했다.
19세기 미술과 제조업 - 기업이 정책적으로 디자인을 발전시킨다는 개념은 조지아 웨지우드의 선구적인 작업까지 거슬러 올라간다. 일부 도자기의 생산공장에 미술을 채용하여 판매효과를 높이겠다는 그의 결정은 비록 불특정 다수의 소비자 시장을 겨냥한 것이기는 했지만 19세기말에 선례를 남긴 것으로서 영국의 산업 미술 부문에서 다수의 다른 기업가들이 그것을 본받았다.
20세기의 산업과 디자인 - 20세기의 디자인 정책을 공식화하는 과정에서 제조업자를 도와준 요소는 시장조사 기법의 발달과 산업내부의 마케팅 부서의 확장이었다. 1930년대의 미국에서는 새로 등장한 컨설턴트 디자이너들이 시장 조사를 자신들이 산업계에 제공할 수 있는 서비스의 본질적인 일부로 보고 있었으며, 생산설비의 재조직과 같은 생산요인의 비용절감을 조언하는 임무에 그것을 추가했다.
이탈리아의 제조업자들과 디자인 : 올리베티와 카시나 - 진보적이고 현대적인 디자인에 대해서 긍정적인 자세를 가장 먼저 취한 제조업자들 가운데서도 첫 번째가 올리베티이다.
일본의 산업 디자이너 - 전후에 이탈리아 제조업자들이 자신들의 소비제품의 마케팅을 개인주의, 배타적인 시장으로 유명한 컨설턴트 건축설계가들에게 의존하고 있는 동안 일본의 제조업자들은 디자이너들을 회사내의 그림자 같은 익명의 직원으로 거느리는 방법을 택했다. 그리고 그들은 완벽과 최고의 작은 형태를 취하는 극소주의로 발전시켜나갔다.
⑫ 반 디자인
아메리카 드림의 종말 - 1930년대 리처드 벅 민스터플러는 기술이 산업보다는 인간이 필요에 봉사하는데 이용될 수 있는 여러 가지 방법들과 아울러 디자이너들로 하여금 '디자인의 효용을 직접 응용하고 후원자 없이 디자인을 주체적으로 활용하기보다는 미래의 생활수단으로 살 수 있는 희망이 되는 돈을 우선 벌기 위해서 디자인을 이용하도록 강요하는 현상을 타파하는 방법을 모색했으나 급진적인 사회에 따라주질 못했다.
수요를 위한 디자인 - '실제 세계를 위한 디자인'에서 디자인이 현대 세계에서 수행하는 특정한 역할과 그것이 대략 생산 및 대략 소비 체제안에서 기능할 때 필연적으로 따르기 마련인 도덕적, 사회적 요구와 타협할 필요성에 초점을 두었다.
다각적인 생산을 위한 인도의 디자인 - 1947년 인도가 독립한 이후 과학, 기술, 산업화에는 많은 발전이 있었으나 도시의 상류층과 농촌의 빈민층 사이에 존재하는 격차는 엄청났다. 국립 디자인 연구소는 이와 같은 경제적인 불평등과 불균형한 산업화를 배경으로 인도의 혼합 경제계획을 만족시킬 수 있는 다각적인 디자인 시행 방식을 결정하고 개발하는 계획을 세웠다.
이탈리아의 급진적인 다자인 - 팝 운동같은 대중 스타일의 혁명을 이탈리아에서는 '급진파 디자인, 반디자인 혹은 안티 디자인'이라고 불렀는데 그것은 단순한 스타일의 혁신보다는 훨씬 혁명적인 의미를 내포한 것이다.
Ⅲ 결론 : 20세기 디자인과 문화
디자인과 문화의 관계는 20세기 전체를 통해서 많은 우여곡절을 겪었다. 그러한 와중에서 디자인은 20세기 문화를 거울처럼 반영하면서 내부 변화 요인으로서 작용해왔다. 디자인의 발전 과정에서 변화와 수정을 거친 것은 문화의 발달을 반영하는 한편 그 발전을 결정한 것이기도 했다. 예를 들어 정치적인 사상이나 다양한 사회 문화 활동이나 혹은 경제 현실속에 나타나 있는 모든 종류와 차원의 문화적 가치관을 전달한다. 다원주의 안에서 디자이너에게 가해지는 책임의 무게가 점점 커지고 있다. 제품의 생산과 소비를 증가시켜야 하는 제조산업의 필요를 충족시켜야 하는 디자이너는 인간공학과 제품의 미학적 품질에 영향을 미치든지 혹은 사회적, 심리적인 기능을 다하고 문화적 풍요를 이룩하든 지 간에 여러 가지 방법을 통해서 인간생활의 질을 향상시킬 수 있는 독보적인 위치에 있다. 결국 이것은 디자인이 20세기 문화에 긍정적인 기여를 한다는 것을 기여하며 디자인의 역사를 배우는 것도 이것 때문이라 할 수 있다.

키워드

디자인,   문화,   모던 디자인,   20세기 디자인,   노동패턴,   대량생산